編曲和作曲的區別
一首動聽的歌，曲子是重要的組成部分。我們常常在聽歌的時候，屏幕上會顯示編曲和作曲是不同的人完成的，有很多人都以為編曲和作曲是同個意思。其實，它們是有區別的。下面是小編帶來的編曲和作曲的區別，希望對你有幫助。
一、編曲
就是在不影響原曲主要旋律和內容的情況對樂曲的表現形式做了更多的拓展。在現代音樂中，特別是流行音樂中，作曲和編曲往往是兩個人，因為很多作曲者只有對旋律的把握和靈感，而編曲者于怎樣體現這個旋律有著更多的技巧。簡單來說，作曲者是給了骨架，而編曲者則是給了血肉。
在古典音樂里原本是沒有編曲這個概念的，因為所有的作曲家都是自己寫好了樂譜，規定了所有樂器的配合。但是隨著時間的流逝，和曲譜在演出中和日常的練習中被人們發現了更多的表現方法，這時候就出現了編曲，就是在不影響原曲主要旋律和內容的情況對樂曲的表現形式做了更多的拓展。
現在是數字音樂時代，很多音色都是非物理樂器音色或物理樂器音色的再處理，這就要求作曲者本人對編曲要有所了解，才能達到更多音色及效果的運用。對于已經有完整作曲的音樂作品(比如比較傳統的交響樂，或其他已經有完整所有聲部創作的歌曲、純音樂作品等)，編曲只是對音色的把握和聲場的控制。對于電子音色和特殊效果起主導作用的音樂作品(比如類似于好萊塢配樂中的電子交響樂，畫面音樂等)，單說作曲是包括編曲的。
二、作曲
作曲，簡單地說是指把自己想到的前人沒有創作過的曲子用簡譜或五線譜等方法記錄下來，把自己的旋律表達出來。但很多人在思想上會產生一個誤區，把編曲也歸納進作曲的范圍之內，其實兩者是兩個完全不一樣的概念。簡單地說，作曲是把旋律無中生有想出來，而編曲則是依照旋律，添加上各種音色，配上和弦，把作的曲表達出來。
作曲的準確定義是compose，即“組織”的意思。什么是組織?就是對素材進行整合、組裝、創造性地安排、使用。因此，嚴格地說，按照早期西方音樂的標準，旋律創作不一定屬于真正的作曲，對素材進行嚴密的安排組織并成為最后可以演奏的音樂才是作曲。對于數字音樂時代的今天，由于科技的發達，就算沒有最后的演奏步驟(或者說部分音樂并不適合去真實演奏)也可通過軟硬件來得到想要的音樂效果。所以，在今天來看，創作出來的音樂最后是否能夠真實演奏已無關緊要。
作曲是在完成音樂內容的創作，單純的一條旋律決定不了音樂想要表達的內容。包括旋律(若有明顯旋律)和打擊樂(若有打擊樂)在內的音樂整體音響效果(包括：調性的選擇及變化，縱向的音高排列，橫向的和聲連接、聲部對位，節奏穿插，音色的選取及搭配)、節拍(及其變化)和速度(及其變化)才是表達音樂內容、情緒、氛圍的關鍵所在，改變其中一個因素就有可能改變整個音樂的內容。明確這些才能稱之為作曲。現在是數字音樂時代，很多音色都是非物理樂器音色或物理樂器音色的再處理，這就要求作曲者本人對編曲要有所了解，才能達到更多音色及效果的運用。對于已經有完整作曲的音樂作品(比如比較傳統的交響樂，或其他已經有完整所有聲部創作的歌曲、純音樂作品等)，編曲只是對音色的把握與聲場的控制。對于電子音色和一些特殊效果起主導作用的音樂作品(比如類似于好萊塢電影配樂中的電子交響樂，畫面音樂等)，單說作曲是包括編曲的。
擴展：編曲要會哪些樂理知識
編曲需要的基礎樂理知識—方法
1.分解和弦
如果善用分解和弦，相當于開發了一個和弦的更多可能性。是否決定鍵盤部分總是彈些三和弦、七和弦的很僵硬呢?通過開發分解和弦，上行、下行、刪去一些音、加上一些音——任何好聽的組合方式，這樣開發出的琶音們雖不在節奏上有明顯作用，但往往是一段好旋律的開始。并且，由于這是從和弦演變來的旋律，它也會妥妥地位處和聲進行中，不必擔心“跑調”。
圖中例子的前4小節和后4小節就是僵硬的和弦與靈巧的分解和弦的效果對比。
2.和弦轉位
以根音為最低音的和弦叫原位和弦，如果以三音、五音或者七音為最低音的時候叫做和弦轉位。轉位時通常“被轉位”的音會產生八度變化，聽上去更靈氣的同時，八度的調整也能豐富編曲的頻譜，使整體聽上去更加悅耳。
圖中例子用的是C, D, Eb, F和聲進行，同樣是前4小節與后4小節做了對比。感興趣的你可以打開DAW或在鍵盤上試一試，感受其中的不同。
3.低音的變化
最常見的貝司編曲方式就是走和弦的根音，由于其樂器的音域特性，通常也是扮演最低音的角色。那么貝司老走低音這種尋常的，或者說不動腦子的路線，肯定是難以出彩的，何不試試多嘗試一些變化呢?
4.模式≠音階
“模式(mode)”可能對于你來說是一個比較新鮮的概念，但它能讓你對音樂有一個全新的視角。音階的概念大家都很熟悉，從簡單的小調音階、大調音階到各種不同地域、人文、演奏樂器所相關聯的音階。但模式究竟是個什么東西呢?其實很簡單：C調大調音階(C D E F G A B)，太常見不過，有什么好研究的呢?如果你試試將演奏開啟的音換一換位置，不從C開始呢?
打開工作站，先彈奏C調大調音階(C D E F G A B)，然后從D開始彈奏，或者F開始。這種音階用作極簡音樂的loop會非常適用。
5.單音也可以很有魅力
寫旋律是比較苦的差事，但如果節奏足夠牛掰，你所需要做的就是彈一個音就足矣。
試著在主歌部分就彈一個音，在橋段加一些音引入副歌。這種方法能讓你集中能量于節奏律動和音色音效上，而不是總把籌碼壓在旋律創作上。
6.借用和弦/調式互換
借用和弦(borrowed chords)意為“同一主音，但不同調式”的使用。怎么理解呢?舉個例子，C大調包括C D E F G A B這幾個音，它組成的所有三和弦為C, Dm, Em, F, G, Am, 和Bdim，但如果我們將其中一個C大調的和聲進行中將某個和弦置換成C小調和弦呢?例如一個C大調的1-6-4-5級四個和弦(C、Am、F、G)組成的樂段中，將Am換做Ab和弦，聽上去就更有意思了。
7.復合和弦
將普通的小三和弦或大三和弦組合在一起，能得到更豐富的復合和弦。
最經典的復合和弦組合：我們將C大調的一級和弦 (C-E-G)用作第一個和弦，再找一個與其根音構成純五度關系的大調和弦，即G major (G-B-D)。兩個和弦一起演奏，我們得到了Cmaj9和弦(C-E-G-B-D)。
8.音程跨度
在寫旋律的時候想要營造一種戲劇化效果或吸引聽眾的注意，我們可以試試拉長兩個相鄰音符間的音程跨度。最經典的就是1音和6音的使用了。這能將你帶入一個全新的音域，帶來更多的變化和創造力。
9.五聲音階
明明有12個音放著不用只用5個，貌似限制了你的發揮?其實五聲音階好用地超出你的想象!寫出的旋律全靠它你造嗎?在此就不做舉例了，在你的鍵盤上彈一彈，編曲的時候用一用，你就知道它的功效了。
編曲需要的基礎樂理知識—步驟
步驟1：舉例來說明，例中的鋼琴部分在不斷重復C和弦，聽上去十分枯燥。除了改變和弦，我們可以嘗試從低音部分入手。
步驟2：前兩小節，貝司走根音，演奏C音;接下來兩小節，講C音降至A音，與鋼琴部分構成一個完全不同的和弦——Am7b5 (A-Eb-G-C)和弦。
步驟3：鋼琴部分的和弦保持不變，我們將貝司演奏從A音變為Ab，就得到了Abmaj7 (Ab-Eb-G-C) 和弦。然后，繼續試驗，彈F、升到G、再到C音……富有靈氣的貝司線開始顯現出來。如果你不確定究竟哪些音在調上，可以試試從那些和聲內的和弦中挑出音來演奏。
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